my rocking chair

Pistolas Sexuales

2007-04-12T19:46:00.000-04:00

¿Qué sucede si juntamos en un mismo grupo al peor guitarrista, al peor bajista, al peor baterista y al peor vocalista del mundo?

El resultado es una de las grandes paradojas en la historia del rock and roll. Se trata de una de las bandas más influyentes e importantes de todos los tiempos: Sex Pistols.

¿Qué tuvo este cuarteto londinense formado por delincuentes callejeros para llegar tan alto? La innumerable cantidad de bandas en las que se refleja la influencia de Sex Pistols está encabezada por bandas colosales como Guns and Roses, Nirvana, Green Day y Oasis.

Sex Pistols es la más grande leyenda en la historia del punk rock.

Y su grandeza se vuelve más admirable y a la vez incomprensible cuando recordamos que tuvieron una carrera cortísima y se dieron el gusto de editar un solo album: “Never Mind the Bollocks…Here´s the Sex Pistols” en 1977, del que la prestigiosa revista Rolling Stone dijo que su sonido era “como dos trenes subterráneos chocando, con víctimas gritando a 40 pies de fangosa profundidad. Este disco tiene una energía y convicción que es positivamente trascendente en su locura y temperamento”. Creo que no he hallado otra mejor definición para el sonido de este disco…

Locura y temperamento era lo que precisamente tenían los Sex Pistols. Su actitud, irreverencia y mal comportamiento eran tan importantes como su música. O quizás más importante…Johnny Rotten, el vocalista, no era cantante. La leyenda dice que Malcolm McLaren, dueño de la tienda de ropa punk más importante de Londres, fue el creador de los Sex Pistols. Estaba en la búsqueda de un vocalista y un día entró un joven que frecuentaba la tienda, lo agarró de la chaqueta y le pidió que cantara. Puso una canción en el Wurlitzer y este muchacho, Johnny, en su esfuerzo por arruinar la canción quedó automáticamente seleccionado. Tenía la actitud necesaria. Recordemos también la posterior inclusión de Sid Vicious en la banda, quien tomó el puesto de bajista cuando nunca en su vida había tocado un instrumento, pero que tenía toda la estampa del más genuino punk callejero. Tiempo después realizó uno de los covers más notables de la historia del rock al tomar “My Way”, toda una falta de respeto a la canción que popularizara Frank Sinatra años atrás. Así era el punk…

También cuenta la leyenda que grabaron su album “tomando prestado” los amplificadores de la banda de Bob Marley que estaban en el estudio.

Los Sex Pistols demostraban abiertamente su odio a The Beatles y “toda esa mierda influenciada por ellos” como Pink Floyd. Y ni hablar de su rechazo absoluto a la Monarquía. En síntesis, se convirtieron en el estandarte y el símbolo del rechazo a lo establecido.

Ahora, musicalmente hablando, el rock siempre tiene la tendencia a volver a las raíces, a lo simple, a los 3 acordes. Sucedió con The Beatles a principios de los 60 cuando las baladas estandarizadas atestaban las radios; sucedió con Led Zeppelín a finales de los 60 cuando la psicodelia y la onda hippie habían convertido el rock en algo en lo que había que estar bajo el efecto de algún alucinógeno para entenderlo; y volvía a suceder a finales de los 70 con los Sex Pistols, cuando si no eras un buen músico de conservatorio para improvisar en esas tremendas “sinfonías” de rock progresivo y complejo, no tenías oportunidad en absoluto de dedicarte a la música. Con los Sex Pistols (y Ramones al otro lado del Atlántico), renacía la esperanza de que CUALQUIERA podía tomar una guitarra y ponerse a cantar. Creo que ahí está la verdadera trascendencia del movimiento punk, cosa que sucedería nuevamente casi 15 años después con Nirvana. El rock había vuelto a ser simple.

“God Save the Queen” y “Anarchy in the UK” se convirtieron en los grandes himnos transgeneracionales que nos legó esta banda y su único album en uno de los grandes referentes para quienes quieran entender y sentir el rock como lo que realmente significa: rebeldía e ira. No future! Destroy!

No mires atrás con enojo

2007-03-12T22:30:00.000-04:00

Hace casi un mes atrás, Oasis recibió en los Brits 2007 el premio por su “Extraordinaria Contribución a la Música”. Fue el reconocimiento a una banda que logró introducirse en el corazón de los ingleses, por todos esos himnos que Noel Gallagher creó para la posteridad. Todo un honor sin duda, pero que fue recibido con bastante indiferencia por parte de los integrantes del grupo.

Luego de recibir su galardón, hicieron una corta presentación ante una enfervorezida audiencia.

Allí estaban. Con la, sin duda, mejor formación que han tenido hasta ahora y que fue la misma que hace exactamente un año atrás se presentó en nuestro país. Recuerdo que ese fue un buen show, corto para mí, pero bastante sólido, buen sonido. Allí estaba yo, junto a mi novia, en primera fila, justo delante de mi héroe. Noel, apático, se dedicaba a solo tocar. En el centro del escenario estaba Liam, esforzándose por llegar a los tonos y colocando fuckings por doquier en las letras.

Aquel Liam ya venía desgastado vocalmente. Podríamos echarle la culpa al smog santiaguino o a la larguísima gira. Pero todos sabemos que la cosa va más allá.

En esta última presentación en los Brits, la verdad, observé con pena a un Liam Gallagher llegando al fin de su carrera. Los años de carrete y cigarrillos le están pasando la cuenta a quien hace 10 años atrás era considerado uno de los mejores vocalistas del mundo, cuando incluso el mismísimo Bono lo declaraba su legítimo sucesor… Pero la cosa ahora es muy distinta. Tenemos la posibilidad, a través de Youtube, de revisar videos de Oasis de por allá por sus comienzos y escuchar a Liam cantando casi como en el disco, y observar su evolución vocal a través de los años, y es realmente penoso escucharlo cantar ahora.

Y para ponerle más dramatismo al asunto, Noel ha anunciado que pronto sacará un disco como solista. Creo entender en esto que Noel ya se ha dado cuenta que su hermano no tiene para más. Y ¿se imaginan un Oasis con Noel como vocalista y Liam tocando algún instrumento…el pandero….o quizás una guitarra?…pero otra guitarra más?..no creo que haga falta…, y ¿creen ustedes sinceramente que la música de Noel como solista va a ser muy diferente de la de Oasis, cuando él es el compositor del 99% de las canciones del grupo??...¿qué acaso Gem Archer y Andy Bell son malos músicos como para no experimentar o buscar nuevos sonidos con ellos?? Simplemente creo que Noel Gallagher le está haciendo un gran favor a su hermano, porque de lo contrario tendríamos que acostumbrarnos a ver shows de Oasis con Liam tras bastidores mientras Noel interpreta toda esa larga nómina de lados B (geniales, por cierto) que son parte de la discografía.

Aunque bueno, quizás la cosa no es para tanto. Un estudio de grabación es capaz de arreglarlo todo, y al final a estas alturas Oasis ya no necesita andar de gira por el mundo…Cuando se es rock star nunca se sabe.

De todas formas, ya son cientos de canciones. Allí están todos esos himnos en la voz de Liam. Y allí estarán para siempre. Con su estilo. Insuperable.

Shine On

2007-03-02T18:57:00.000-03:00

Jet es de esas bandas de las que en nuestro país no se sabe mucho, pero que tienen una siempre merecida buena recepción en países como EEUU, donde incluso fueron teloneros de Oasis en el Madison Square Garden.

Luego de su exitoso debut el 2004 con Get Born, este cuarteto australiano nos hace su nueva entrega, en la misma línea guitarrera de su anterior disco, con Shine On.

Shine On contiene básicamente los mismos ingredientes que el anterior disco. Con 14 canciones, es un álbum en el que se combinan buenas canciones de rock and roll con baladas más acústicas perfectamente armonizadas.

El disco abre con “L´esprit D´escalier”, especie de mini obertura en el que suena el coro de la última canción “All you have to do”. El rock and roll con buenos riffs de guitarras asume protagonismo con “Holiday” y la falsetteada “Put your money where your mouth is”, cuyo video es el que está en rotación por estos días. “Bring it on back” baja parcialmente las revoluciones hasta la aparición de la distorcionada “That´s all lies”, cuyo coro me recuerda a M.O.R. de Blur. ”Kings horses” es una buena canción, más pausada, que deja el camino pavimentado para la aparición de “Shine on”, en mi opinión, la mejor canción del disco, con muy buenos arreglos y con un Nic Cester que en el coro realiza una vocalización que recuerda a Liam Gallagher, como también lo hace en la movida “Come on come on”, cuyas guitarras carraspean una mezcla entre AC/DC y el Revolver de los Beatles. Cester tiene la capacidad de cantar de la forma más delicada y también gritar desgarradoramente como en “Stand up”, donde el riff de la guitarra suena inconfundiblemente a lo Agnus Young…yeah!!. “Rip it up” es otra gritona y rockera canción con un ultra sesentero coro. Juro que te amo así tal como eres grita “Skin and bones”, una de las pocas canciones del disco que incluye un solo de guitarra. El uso de double track en la voz de “Shiny magazine” recuerda a Lennon que junto a la Harrisoneana guitarra, le dan un aire Beatlesco que se acentúa aun más en “Eleanor”, con un portazo final al más puro estilo del Be here now de Oasis o del Hey joe de Deep Purple…. El álbum cierra con “All you have to do”, la canción diferente del disco, que suena como buena excusa para darle un cierre redondito.

Shine On es un buen disco, nada nuevo en comparación al anterior para ser sinceros, pero el estilo sigue siendo bueno, pegajoso y hasta en cierta forma, adictivo. Una de las grandes falencias de Jet, es que aún en cada canción es posible escuchar las muy notorias influencias de bandas como AC/DC, Oasis, Supergrass o The Beatles. Aun así, y a pesar de esto, es posible distinguir el sonido de Jet del de otras bandas, lo cual es bueno y prometedor, pensando en sus futuras entregas. Nic Cester es un gran vocalista y en general Jet es una banda de buenos músicos con buenas influencias…. Creo que hay que estar atentos con estos muchachos.

Do the evolution

2007-02-27T21:26:00.000-03:00

Hay una vieja máxima en el fútbol de barrio que dice que el equipo que va ganando en el primer tiempo debe seguir jugando con los mismos jugadores durante el segundo tiempo. Es decir, ¿para qué hacer cambios si con este equipo estamos bien?

En la música a veces sucede algo similar. Y es el hecho de repetir las fórmulas cuando estas tuvieron buenos resultados. Entonces hay bandas que durante años se mantienen fieles a su forma de hacer las canciones, que les garantice algún grado de éxito.

Pero por alguna extraña razón siempre esperamos que las bandas evolucionen. Que “maduren”. Y es algo que les hace ganar cierto grado de respeto o admiración.

Tenemos ejemplos clásicos en la historia del rock, como The Beatles, que dieron pasos en medidas astronómicas en unos pocos años, pasando del estilo beat de canciones como “I want to hold your hand” a la psicodelia compleja de la talla de “A day in the life”. Alguien podría pensar que no se trata del mismo grupo ni compositor…pero sí lo fue. Ejemplos de ese calibre no hay muchos en la historia. Y es que el hecho de evolucionar tampoco es sinónimo de éxito ni inmortalidad. Por que en cierta forma es el estilo el que hace a las bandas ganar adeptos que se sienten identificados, ya sea por el sonido o por las letras. Y el cambio significa correr el riesgo de peder fans, así como también ganar otros nuevos.

¿El repetir fórmulas significa falta de imaginación de parte de los músicos? Grandes bandas se han caracterizado por mantenerse absolutamente fieles a su sonido, por ejemplo Ramones o Iron Mayden, en los cuales es bastante difícil identificar a qué disco puede pertenecer tal o cual canción, por el hecho de que son “todas iguales”. Pero no estamos hablando de cualquier banda destinada al olvido, sino de grupos que han trascendido e influenciado a generaciones de músicos alrededor del mundo.

En cambio, hay otras bandas que en la búsqueda de nuevos sonidos consiguieron resultados horrorosos para sus fans como el Metallica de mediados de los 90 o el Radiohead post Ok Computer. Entonces ¿qué tan loable puede ser el explorar nuevos horizontes?

Esta apuesta al cambio no es nada fácil. Pienso que el explorar con la música es más admirable que quedarse pegado con la fórmula, porque sea como sea, las cosas repetidas terminan aburriendo. Pienso también que la exploración no siempre es sinónimo de hacer cosas raras y poco entendibles, sino más bien se debe tener la capacidad de evolucionar con calidad, de ser un verdadero aporte y es allí donde está el verdadero desafío.

Juego Frio

2007-02-14T00:23:00.000-03:00

Chris Martin dista mucho de ser el típico rock star. Proveniente de la clase alta inglesa, conservador, no fuma ni toma. Pero por esas cosas del destino es el líder de una de las bandas de pop rock más exitosas de los últimos años.

Ha estado involucrado en movimientos pro ayuda de los pobres de África, en la misma línea de “luchadores por la justicia” de Bono, pero sin el carisma del irlandés. No posee una gran voz ni tampoco es una máquina de hacer canciones. Entonces, ¿qué demonios tienen Martin y compañía como para llevar tanto tiempo a favor suyo la bendición del éxito y la admiración?

Con tres discos editados a la fecha, Coldplay aun no publica un “The Bends”, o un “Morning Glory”. Coldplay no es una banda de hacer grandes discos, sino más bien, de hacer grandes canciones. No vamos a desconocer la adictiva simpleza de canciones como “The Scientist” o “In My Place”. Pero una banda inglesa inmortal sin un disco inmortal es una especie de contradicción. Por lo tanto, quizás Coldplay nunca se ubique en el Olimpo.

Recuerdo cuando hicieron su aparición, por allá por el 2000. “Shiver” y “Yellow” sonaban en las radios sin parar y el video de Martin caminando por la playa se convertía en una especie de clásico. Se decía entonces que eran los sucesores de Radiohead……de Radiohead!!, o sea, sí que prometían. Pero los años pasaron y Coldplay siguió repitiendo la fórmula, con algunas variaciones, claro está, pero sin llegar al nivel que siempre se esperó de ellos. Pienso que la prensa inglesa ha sido muy benevolente y paciente con ellos. Creo que Coldplay es la banda más sobrevalorada de los últimos 10 años.

Sí, eso pienso. Coldplay no alcanza la categoría de leyenda.

Y me pregunto que pensará Martin, defensor de los pobres, al saber que las entradas para su show superan los 40 mil pesos. Es un tema digno de discutir, porque los mismo se pensó de U2 el año pasado, y muchos salieron atacando a Bono de inconsecuente, cuando sabemos que los precios de las entradas no lo colocan los músicos, sino las productoras. Pero, seamos francos, U2 nos trajo el mejor show del mundo con el mejor vocalista del mundo. Coldplay nos trae varias famosas canciones de amor… un poquito desafinadas, pero famosas al fin.

La guitarra

2007-01-05T00:39:00.000-03:00

La guitarra…….., que sonido más cautivante…que variedad de sensaciones puede provocar.

Es el más popular de los instrumentos musicales en el mundo entero. Pero su comienzo fue bastante difícil.

Y puede ser considerado el más desgraciado de los instrumentos, pues su resonancia y amplitud de sonido es baja, comparada con el resto de los instrumentos de la orquesta clásica. Y es por esta razón, y no por su sonido, que encontramos tan pocas obras para guitarra en la música clásica, entre las que destaca uno de los pocos concierto para guitarra y orquesta compuestos, y que ha alcanzado una inmortalidad merecida: la obra creada por el español Joaquín Rodrigo: el Concierto de Aranjuez.

Pero el sonido de la guitarra siempre se distinguió, por su belleza, y por la posibilidad de hacer sonidos polifónicos a la altura de un pianoforte. Traída desde oriente por los moros a España, descendiente del laúd, la guitarra se arraigó en la cultura ibérica, de donde se expandió al resto de Europa. Pero su incorporación a la arquitectura de una orquesta fue un rotundo fracaso, como dije anteriormente, por lo bajo de su volumen.
Además, la facilidad con que podía ser interpretada, la hacía asequible a cualquier músico sin mucho entrenamiento, por lo que en ciertas esferas era considerada un instrumento de segunda categoría. La guitarra se convirtió en el instrumento del pueblo.

Muchos años pasaron y la guitarra evolucionó en formas y tamaños. Para comienzos del siglo XX fue incorporada a las big bands, donde nuevamente, comparada con el sonido de los bronces, perdía en potencia. Y es por esta razón que nació la necesidad de amplificar su sonido, dando origen a la guitarra eléctrica.

El suizo/americano Joseph Rickenbacker, es considerado el creador de la guitarra eléctrica. Por allá por los años 30, y en los círculos del jazz, la reformada guitarra comenzaba a imponerse. En los 40 Les Paul, que trabajaba para Gibson, creó un modelo de guitarra, que fue rechazada por la empresa para la que trabajaba….y cuando en lo 50 Leo Fender hacía su estreno con la “Telecaster”, a la Gibson, se le ocurrió competir con la rechazada creación de Les Paul. Luego vendría la aparición de la “Stratocaster”…todos, modelos arraigados en la cultura popular.

Con la llegada del rock and roll, la guitarra adquirió más protagonismo, quitándoselo al saxo y al piano. Finalmente en los 60 se apoderó del escenario, convirtiéndose en el eje central de la música rock.

Grandes exponentes, convertidos en leyendas, hicieron de la guitarra el instrumento que todo joven quiere aprender a tocar, según los diferentes estilos y tendencias. Efectos como el wah-wah, el overdrive, el delay, el chorus y millones más, dan infinitas posibilidades de sonidos y expresiones de las que los músicos sacan provecho. O incluso sin efectos, y sin importar la velocidad con que se toque, ni la cantidad de técnicas y escalas que se dominen, las más profundas sensaciones pueden expresarse con un solo sencillo, en el lugar correcto, en el momento correcto.

La guitarra, con cuerpo de mujer, se convierte en una amiga inseparable y fiel. Con un delicado arpegio o un distorsionado riff, es capaz de elevarnos y llevarnos a lugares inexplorados.

Como el gran Les Paul solía decir: “cada vez que me siento bajoneado, tomo mi guitarra y comienzo a tocar. Ella es mi mejor amiga en este mundo”.

Pearl Jam en Chile

2006-12-02T21:35:00.000-03:00

Lejos, el más esperado de los recitales en nuestro país en los últimos 15 años, fue el que realizó hace poco mas de un año la legendaria banda Pearl Jam. Era tal la expectativa que tuvieron que repetir su show para poder satisfacer a una generación de fieles seguidores. El 22 y 23 de noviembre del 2005 quedó en la Historia.

Con viejos amigos del colegio, arrendamos una van y fuimos al San Carlos de Apoquindo, al primer recital. Se decía que venían a tocar canciones de sus últimos discos, y yo ingenuamente decía que era mi sueño poder escuchar "Release" en vivo, cosa que Pearl Jam pocas veces hace.
A las 4 llegamos al estadio. Una multitud de fanáticos, todos de nuestra misma edad o un poco mayores, corrían para encontrar la mejor ubicación. Todos con camisas leñadoras, jeans rotos y zapatillas de lona, algunos aun con pelo largo y poleras que recordaban a toda la camada de bandas grunge que hace más de una década se habían apoderado de la escena musical mundial.

Como teloneros, salió Mud Honey, uno de los precursores de aquel movimiento de Seattle. Un buen show que hizo saltar a la ya enfervorecida audiencia. El estadio estaba repleto.

Y por un momento, parecía que el clima de Seattle se había apoderado del sector alto de Santiago. Había sido un día muy caluroso, pero de pronto, de la nada, una llovizna comenzó a caer esa noche. En ese preciso momento, Eddie Vedder y compañía tomaban sus posiciones sobre el escenario.
Fue un momento inolvidable. Por años los habíamos vistos por la tele, y ahora los veíamos a unos cuantos metros. Y para mí no podía ser mejor, pues sonaba lentamente el arpegio en Re mayor de la ultima canción del Ten: "Release".
A partir de ahí, parecía que volvía a tener 15 años, olvidándome del mundo y saltando al ritmo de todos esos himnos que fueron la banda sonora de los carretes de colegio.
Pearl Jam sabía que estaba en deuda con el público chileno, quizás el más fiel de Sudamérica, y por esa misma razón hicieron un show largo, intenso, en el que se dedicaron a tocar sus grandes canciones, pasando por "Do The Evolution", "Given To Fly", "Elderly Woman Behind The Counter In A Small Town", "Even Flow", "Daughter", "Jeremy", "Betterman", "Black" y "Alive", entre muchas otras.
Musicalmente la actuación fue buenísima. Eddie Vedder cantando como en sus mejores años y disfrutando una buena botella de vino chileno, McCready, Gossard y Ament sólidos en sus funciones, y Cameron demostrando que no por nada fue batero de Soundgarden.
El show fue emocionante. Muy emotivo. Ví a muchos llorar. El público irradiaba nostalgia y a la vez la sensación de estar cumpliendo un sueño. En realidad, una sensación difícil de explicar con palabras. La euforia inicial jamás menguó durante las casi dos horas que duró la presentación. Tampoco lo hizo la energía de las interpretaciones del grupo.

Luego de homenajear a Ramones y tocar además un cover de The Who, las luces del estadio se prendieron mientras Pearl Jam tocaba "Yellow Led Better", con Vedder cambiando el final de la letra por un I’d like to stay…. Era el fin del sueño. El regreso a la realidad.

La vuelta a casa fue en silencio, en parte por el cansancio, en parte por la afonía luego de gritar por horas, pero principalmente porque cada uno de nosotros parecía no querer despertar.

God Save UK

2006-10-14T22:44:00.000-04:00

Era la noche de un 9 de febrero de 1964. El programa más popular de la televisión americana, The Ed Sullivan Show, traía como artistas invitados a unos jóvenes provenientes de Liverpool, Inglaterra, que por esos días habían logrado su primer nº 1 en los rankings de música. La prensa los veía como unos “one hit wonders”, que pronto pasarían de moda. Fue un show en el que se veían nerviosos, pues el futuro de su carrera en América dependía de esta actuación. La policía dijo que durante esa noche, a la misma hora del show, no se reportaron robos ni asaltos. Todo el país estaba viendo a The Beatles.

La prensa, como muchas veces suele hacerlo, se había equivocado, porque estos chicos no solo demostraron que no eran un éxito pasajero, sino que además, fueron el comienzo de una verdadera revolución cultural en los Estados Unidos.

Pronto todo el mundo se interesó por la música proveniente de la vieja Inglaterra.

Muchos grupos salieron a la luz gracias a The Beatles en el Reino Unido. El llamado sonido “Mersey”, con el que fueron bautizados, nos mostraba a grupos que imitaban en estilo y estética a los Fab Four. El corte de cabello Beatle se popularizó entre los músicos, al igual que las marcas de guitarra y amplificadores que ocupaban. Como siempre sucede, burdas imitaciones lograban su espacio.

Pero había bandas que tenían su propio sello, algo distinto, aunque siempre dentro de lo actualmente denominamos “sonido británico”, que ha sido algo indistinguible durante décadas.

The Rolling Stones, siguieron a The Beatles por la conquista de América. Luego lo hicieron The Animals, The Kinks, The Hollies, The Yardbirds, y luego The Who. El rock británico se había instalado al otro lado del Atlántico.

Inglaterra se había puesto de moda. Muchos sociólogos han intentado explicar este fenómeno. Los modismos y el look fueron imitados por los jóvenes americanos. Pronto salieron bandas de rock que imitaban el estilo y el acento inglés. Todo lo que provenía de Gran Bretaña se convertía en un suceso y en la tendencia a seguir.

Una vez recuerdo que vi un documental en el que un artista afroamericano de la época (no recuerdo quien era) se quejaba diciendo que los ingleses no habían inventado nada, que solo tocaban música negra, la misma que ellos llevaban tocando por más de una década, y atribuía el éxito a que “los blancos veían esos cortes de cabellos y sabían que podrían ir a la peluquería y cortárselo igual”.

A pesar de la simplista explicación de este músico, si analizamos bien, hay mucho de cierto en sus palabras. Toda esta oleada de músicos ingleses jamás negaron su influencia en el rhythm & blues americano y todo el rock and roll de los 50. Es más, Keith Richards se sorprendía al darse cuenta que “nosotros sabíamos del folclor americano mucho más que los propios músicos americanos”. A los ingleses no les importaba el “color” de la música, adoraban las guitarras, a todos esos músicos negros y mucho de su repertorio consistía en covers. A finales de los 50 los americanos habían sepultado el rock and roll. Los baladistas estaban de moda cuando llegaron The Beatles. El rocka and roll en Inglaterra (por lo menos en Liverpool) no había muerto. Y se encargaron de hacerlo resucitar en Estados Unidos.

Los 60´s fueron de Inglaterra. Es increíble revisar la discografía de todas estas bandas. Todas evolucionaron, experimentaron y elevaron su sonido. De los Yarbirds saldrían Eric Clapton y Jimi Page, a los The Who se los consideraría los padres del Punk (aunque a muchas bandas se les da ese título). The Rolling Stones se convertirían en la banda más longeva de todos los tiempos. Incluso Jimi Hendrix, americano, agarraría sus maletas y se iría a Inglaterra para finalmente ser reconocido como el mejor guitarrista del mundo. Ni hablar de lo que vendría después: Led Zeppelín, Black Sabbath, Pink Floyd, Deep Purple, Queen…

Algo especial tiene Inglaterra. Lleva décadas produciendo músicos grandiosos. Yo lo explico con la teoría de “la vara alta”. Cada grupo inglés ve hacia atrás y observa una tremenda historia musical llena de leyendas por la cual se ve influenciado y a la cual debe tratar de igualar, para alcanzar algún grado de éxito. No es llegar y hacer música. Debes ser realmente bueno. Y es por esa misma razón por la cual cada vez son menos los grupos que salen y quedan en la historia. Quizás la última gran banda inglesa fue Oasis.

Como sea, pienso en el centenar de discos geniales que se han grabado durante los últimos 40 años, desde que a un puñado de roqueros tomaron el rock and roll, lo moldearon y le pusieron un estilo propio. Qué más decir…cheers to England!

Mi Generación

2006-09-30T17:52:00.000-04:00

Recuerdo que cuando era más joven, solía decir que los 80´s fueron una mierda, y que me sentía tremendamente afortunado de vivir en una década de gloria para el rock and roll. Si bien todo el rollo de la “generación X” estaba bastante lejos de estas latitudes, todo lo que venía del otro hemisferio nos inspiraba rebeldía y ganas de vivir solo el día. El grunge nació dándole una patada en el culo a toda la estética del glam y el metal. Lo sencillo, los solos de guitarra sin parafernalia y los gritos desgarradores eran las señales de una nueva juventud, harta ya de los parámetros establecidos y el tecnicismo. Y finalmente toda esa onda, digna de lo que predicaba, terminó suicidándose y le dio el paso a la música de los cigarrillos y alcohol que venía de las islas Británicas, con looks retro y Marshalls a todo volumen.

Me sentía orgulloso de los 90´s.

Era la época en que MTV era un canal de música (y no de realities), con VJ´s que sí sabían de música. Se me vienen a la cabeza decenas de clásicos videos como “Jeremy”, “Tonight Tonight”, “Paranoid Android”, “Roller Coaster” o la trilogía de videos de Aerosmith protagonizados por Alicia Silverstone….También recuerdo como esperábamos con ansias los Unplugged, y como siempre llegábamos a la conclusión de que el de Nirvana fue el mejor.

Recuerdo que salía de clases, llegaba a mi casa y escuchaba la Rock and Pop o ponía algún cassette grabado o comprado si lograba juntar algo de plata. “Nevermind”, “Ten”, “(What´s the Story) Morning Glory?”, “OK Computer”…cuántos clásicos! Y ni hablar de los himnos que cantábamos: “Smells Like Teen Spirit”, “Creep”, “Black”, “Wonderwall”, “One”…

Y, claro, aquí en nuestro país también surgió una camada de grupos que identificaban a unos u otros, siendo Los Tres los que llevaban la batuta. De Argentina nos gustaban los Cadillacs.
También fue una época de revivals, The Doors, The Beatles, Bob Marley y Led Zeppelin formaban parte del repertorio de nuestros carretes, alrededor de una caja de vino, cigarrillos, pititos y alguna guitarra de palo.

Ahora, como todo un adulto joven (por no decir “adulto fome”) ya casi ni me interesa lo que sucede hoy en día con la música, porque además, lo que escucho lo encuentro malo e inferior a lo de nuestra época, claro está, jajaja. Y a no ser por algún nuevo disco que saquen los mismos grupos de siempre: U2, Oasis, Green Day…me doy cuenta de que caigo siempre en escuchar lo mismo (o retrocedo en el tiempo), aunque con nuevos formatos y acceso a rarezas gracias al ciberespacio. No lo niego, es el síndrome de ser un adulto y de mirar hacia atrás, con nostalgia, convencido de que no pudo haber sido mejor.

La lucha con el destino

2006-08-15T21:22:00.000-04:00

“Así suena el destino cuando llama a la puerta”…con estas palabras definía Ludwig Van Beethoven las primeras notas de su “5ta Sinfonía”, una de las más famosas y colosales obras creadas en la historia de la humanidad. Son notas intrigantes, escritas por alguien que aprendió a vivir con el destino en contra suya.

La vida de este genio nunca fue fácil, desde su más temprana infancia en Bonn, conoció el sufrimiento. Con un padre alcohólico, sufrió lo que hoy llamaríamos maltrato infantil. Era obligado a estudiar por horas el piano para poder ser un segundo Mozart, y sostener a su familia gracias a lo que ganaba tocando en el coro de la Iglesia. Sufrió de enfermedades y pestes que le dejaron marcas imborrables en su cara. Cuando a los 17 años, en Viena, por fin conoció a Mozart, se perdió la oportunidad de que este se convirtiera en su maestro pues su madre acababa de fallecer por lo que tuvo que devolverse a Alemania: perdió a la persona a quien más quería, a quien vio sufrir por años el maltrato que le daba su esposo, quien también había muerto. Sin un hogar en el cual vivir, Beethoven fue adoptado por varias familias pudientes que veían en él a un genio que tarde o temprano sorprendería al mundo.

Beethoven nunca paró de estudiar música. Eso sí, como todos los músicos de su época, tenía una sombra llamada Mozart, quien a los 20 años de edad, ya había publicado cientos de obras, incluidas óperas, sinfonías y conciertos, mientras que el joven Ludwig, a la misma edad, aún no tenía repertorio propio. Beethoven sabía que debería luchar contra esa sombra quizás toda su vida.

Beethoven era de origen humilde, pero la música lo llevó a codearse con la realeza a la que detestaba, pero a quienes trataba de ocultar que en realidad él no era ningún noble. Debido a su apariencia, de rasgos toscos, piel morena, ojos oscuros, pelo negro y una estatura no muy elevada, rasgos poco alemanes por cierto, era muchas veces molestado por la elite que lo llamaba “español” o “negro”. Pero su tremendo talento con el piano y las obras que poco a poco empezaba a componer le hicieron ganarse el respeto de esa sociedad que le causaba tremendas contradicciones, pues la odiaba pero deseaba pertenecer a ella, pues sentía que su talento le hacía merecedor de un buen estatus, más que a un noble que lo adquirió por simple fortuna, sin más mérito que la sangre. También se ganaba el respeto (y la envidia) de los otros músicos. Es extraño mencionar que Beethoven no tenía “dedos para el piano”. A muchos les asombraba como un tipo con dedos gruesos y cortos podía tocar el piano de forma inigualable. La naturaleza no lo había dotado con manos de pianista, pero sí con una capacidad de improvisar y crear insuperable.

Ludwig también fue tremendamente desafortunado con las mujeres. Solía enamorarse con facilidad de hermosas jóvenes de clase alta, que la gran mayoría de las veces lo rechazaban. Pero fueron estos amores no correspondidos los que inspiraron a componer sus más hermosas sonatas para piano, entre ellas la “Patética” y “Claro de Luna”, y su célebre carta “a la Amada Inmortal”.

Pero para un músico cuya carrera va en ascenso, que comienza a ganarse el respeto y la admiración de todos, lo peor que le puede suceder es perder el oído. A los 30 años Beethoven comenzaba a padecer una sordera que lo haría sufrir más que cualquier otra cosa en su vida. ¿Cómo podía ser tanta la mala suerte? Buscó ayuda con médicos que le hicieron empeorar, trato de mil y una formas remediarlo, pero su enfermedad era irreversible. Es en este Beethoven en el que me detengo a pensar muchas veces cuando las cosas no salen bien. Me imagino la impotencia que debe haber sentido este músico al perder el sentido que más feliz lo hacía. Se ganaba la vida gracias a la música y ya no la podría escuchar más. Sufrió tremendas depresiones, varias veces pensó en matarse, pero el amor que sentía por la música fue lo que lo hizo detenerse y luchar y demostrarle al destino que la victoria le llegaría finalmente a él. Es en este período en el que Ludwig Van Beethoven compuso sus más grandes obras. No es de extrañar que todas terminen con sendos acordes llenos de gloria y triunfo. No es de extrañar que en sus obras encontremos a un hombre luchando con los dioses. La sordera no fue obstáculo para componer, fue más bien la fuerza que lo llevó a convertirse en el más grande de todos, en elevarse y demostrarle a Dios mismo que nada lo podría detener.
Beethoven era absolutamente sordo cuando compuso su “Sinfonía nº 9”, en mi opinión, la mejor y más grande obra musical jamás creada. La llamada “Oda a la Alegría” que forma el tema principal del cuarto movimiento, nos habla de las cosas en las que creía este genio: la fraternidad y la hermandad de toda la humanidad.

Yo diría que Ludwig Van Beethoven es mi héroe. Sin ser ningún santo, pues era huraño y tremendamente orgulloso, este hombre supo luchar contra la adversidad desde que era un niño. La vida, la misma que lo trató tan mal, le regaló una única arma con la cual debía luchar: la música. Y fue con esta única arma, la de dominar como ningún otro el Arte Supremo, con la que luchó hasta conseguir la victoria y lograr un sitial de Honor en la Historia.

Verde, azul y gris

2006-08-05T18:15:00.000-04:00

El regreso de Los Tres ha sido lo más importante que ha sucedido en la alicaída escena rockera nacional en lo que va corrido del año. Sin ser un regreso rimbombante como el de Los Prisioneros, los penquistas también vuelven con un nuevo disco y una gira por todo el país, eso sí, con solo tres de los cuatro miembros fundadores: Álvaro Henríquez, Titae Lindl y Ángel Parra.

La gira que están haciendo los trajo a Viña del Mar, y claro, yo no podía faltar al regreso a los escenarios de la banda más importante de los 90 en Chile. La buena música estaba garantizada.

Y con “puntualidad” chilena comenzó el show…¡con 1 hora de retraso! Aún así, el recibimiento fue cálido, los aplausos merecidos a quienes marcaron a toda una generación. El escenario era simple, pequeño, pero no hacía extrañar para nada la parafernalia ni las luces de más. Tenía una pantalla en la que se proyectaban imágenes, las cuales fueron apareciendo en forma muy atinada a medida que el grupo interpretaba sus canciones.

El show fue bueno, aunque no fue precisamente una demostración de virtuosismo (tomando en cuenta que dos de los integrantes son grandes virtuosos). Los músicos se vieron relajados, hubo hartos errores pero daba igual, no menguaron lo que a la larga fue una buena presentación. Álvaro demostró que su voz se mantiene intacta, aunque agarró la mexicana mala costumbre de darle el rol de cantante al público muchas veces. Titae, excelente, aunque su contrabajo le dio algunos problemillas técnicos que lo obligaron a usar el bajo eléctrico en muchas canciones. Ángel no se vio tan “seco” con la guitarra como nos tiene acostumbrados, yo creo que el excesivo frío de aquella noche le jugó una mala pasada a sus dedos (varias veces lo vi dándole “besos” a sus dedos). Los músicos invitados (batería, teclado y acordeón) fueron un buen aporte.

En total, el show duró un poco más de dos horas. Hicieron un recorrido por todos sus discos, interpretando sus canciones más conocidas, entre ellas: “Hojas de Te´”, “He Barrido el Sol”, “Te Desheredo” “Tírate” “Amor Violento”, “La Primera Vez”, “Sudapara”, “El Aval”, “Déjate Caer”, “Bolsa de Mareo”, “La Torre de Babel”, “La Espada y la Pared”, etc.…Además tocaron canciones de su nuevo disco “Hágalo Usted Mismo”, las cuales me parecieron bastante interesantes (me acuerdo especialmente de“Cerrar y Abrir”). También entregaron una tanda de cuecas, muy larga a mi parecer. Pero el punto más alto fue la interpretación en solitario de Álvaro Henríquez de “Me Arrendé”, una canción hermosa que me hizo recordar que al frente estaba escuchando a uno de los más grandes compositores de canciones que ha producido nuestro país.

Los Tres han vuelto. La última gran banda que ha salido de estas tierras. Me hacen pensar que hace años que no hay un grupo que deje huellas tan marcadas. Es un país carente de buenos grupos, y esto nos hace desempolvar los viejos cassettes que compramos o regrabamos cuando íbamos al colegio. Y para consolarme pienso que quizás no es solo un problema local, sino más bien global. Como sea, lo que escuché del nuevo disco de Los Tres en el recital me parece bastante bueno. Le voy a echar una mirada al disco…

Alma de Goma

2006-07-28T12:30:00.000-04:00

¿Hay alguien que vaya a escuchar mi historia?...Corría diciembre de 1965, y el mundo recibía como regalo de Navidad el lanzamiento de uno de los más grandes discos grabados en la historia del Rock and Roll: Rubber Soul.
Grabado en solo 4 semanas, producido por George Martin, alcanzó instantáneamente el primer lugar de los charts Británicos, quedándose por 8 semanas en el primer lugar.
Con 14 canciones y una duración de poco más de 35 minutos, The Beatles marcaron un antes y un después en la historia de la música popular.
Este disco, el sexto lanzado en la historia del cuarteto inglés, es un disco que marca el “fin del romance” en las líricas Beatle: son más maduras, más oscuras, ambiguas y negativas respecto al amor, con un Lennon claramente influenciado por Bob Dylan y un McCartney viviendo una crisis con su pareja. Es un disco que musicalmente huele a marihuana y madera. Con un Harrison haciendo más riffs y un Ringo Starr cumpliendo un papel que vas más allá del simple acompañamiento rítmico. Rubber Soul es más acústico, más sofisticado, dando los primeros pasos en la experimentación, con harmonías notables y arreglos dignos de admiración. Sin duda, una obra maestra.

El disco abre con “Drive My Car”, compuesta por John Lennon y Paul McCartney, es una sátira al sexismo, una especie de comedia en doble sentido que habla acerca de una mujer que desea ser una estrella de la pantalla. Destaca el riff que tocan el bajo y la guitarra al unísono, dándole una atmósfera poco habitual para una canción Beatle. Le sigue “Norwegian Wood”, compuesta por Lennon, es la primera canción en la historia del pop en utilizar un sitar (tocado por George Harrison). Es otra especie de comedia (John hablando sobre su infidelidad), que habla sobre un hombre que tiene un affair con una mujer en la casa de ella, quien luego lo manda a acostarse al baño y de venganza al despertar al otro día y encontrarse solo, quema la casa. “You Won´t See Me”, escrita por Paul, habla sobre un conflicto en una relación de pareja (claramente hablando de sí mismo) en la que la mujer toma el papel de indiferente. La cuarta canción es “Nowhere Man”, un clásico, que en palabras de John, habla sobre sí mismo, un “hombre de ninguna parte sentado en la tierra de ninguna parte”. George aparece con su composición “Think For Yourself”, una canción que habla en contra de las mentiras y engaños, “probablemente pensando en el Gobierno”, según el propio autor. Podemos escuchar a Paul tocando el bajo con un buzz como efecto. El siguiente surco, “The Word”, escrita por Lennon, es una de las primeras aproximaciones en el tema del amor a nivel universal, que con el tiempo desembocaría en temas como “All You Need Is Love”. El solo de teclado lo toca George Martin. “Michelle” es una balada de Paul, quizás la canción más famosa del disco. Es una delicada melodía con estilo francés. El lado B del vinilo original abre con “What Goes On”, co-escrita por John, Paul y Ringo, cantada por este último. Es una canción country, que es en realidad el punto más bajo del disco. Luego aparece la inmortal ¿balada? “Girl”, que con unos arreglos que nos recuerdan al folclore griego, una delicada vocalización de Lennon y unos sugerentes sonidos inspiratorios en el coro que nos hacen pensar en un buen pito de marihuana, es nada más y nada menos que una crítica a la Iglesia Católica… “I’m Looking Through You”, nos muestra otra vez a Paul relatando problemas de pareja: “el amor tiene el sucio hábito de desaparecer durante la noche”…uff. Hay que destacar que en este track todos los instrumentos fueron tocados por el multi-instrumentista Paul McCartney. La canción 11 del disco, “In My Life”, es la canción más hermosa del disco. La letra es de John y la música la compuso a medias con Paul. Es una canción nostálgica, inspirada sobre un autobús dejando la ciudad en la que creció. El solo de piano barroco es tocado por George Martin, y le da el toque de magnificencia exacta a mi canción Beatle favorita de todos los tiempos. “Wait”, habla sobre una pareja que se va a reencontrar después de estar separados por mucho tiempo. Es la fusión de dos canciones diferentes, una de John y otra de Paul. George Harrison hace su segunda aparición como compositor en Rubber Soul con “If I Needed Someone”, con un riff inspirado en The Byrds, y un arreglo a tres voces, le dice a una mujer que es la segunda opción, pero que deje su número, por si en una de esas la necesita…. El disco cierra con “Run For Your Life” de Lennon, que declaró años más tarde que era su canción menos favorita de los Beatles. Es una canción misogina, llena de celos: “preferiría verte muerta que con otro hombre…”

Rubber Soul es un disco legendario, genial. Ha aparecido siempre en todos los rankings dentro de los primeros lugares, ya sea por voto popular o por críticos especializados, y se lo merece. ¿Qué más puedo decir? …Tómate media hora de tu vida y disfrútalo.

Música de Rock and Roll

2006-07-18T13:08:00.000-04:00

El Rock and Roll es un viejo que se niega a usar bastones, porque sabe que sus piernas se regeneran cada cierto tiempo, y por lo tanto podrá seguir caminando por mucho tiempo como lo ha hecho por más de 50 años.

Los primeros pasos del Rock and Roll, por allá por los 50’s nos muestran un Rock simple, lleno de energías e irreverencias que para nuestra época podrían parecer infantiles, pero que eran motivo de escándalos en la conservadora América post guerra.
Los ídolos de aquel entonces se convertirían en los iconos de nuestros ídolos. Serían el comienzo del suceso cultural mas importante del siglo XX: el Rock and Roll…

Muchos eran los artistas que llenaban de música las radios y salones de baile, pero son 3 los que yo considero los padres indiscutidos del Rock: Little Richard, Elvis Presley y Chuck Berry.

Little Richard, era un afroamericano de origen humilde, hijo de campesinos, que tocando el piano alcanzó la fama mundial. Afeminado, extravagante y arrogante, seguramente fue el primer artista glam de la historia. Poseía una voz y gritos inconfundibles (“yo le enseñé a gritar a Paul McCartney”, diría en alguna oportunidad), pero por sobre todo, era un gran compositor del más puro Rock and Roll: letras que hablaban de chicas y música que invitaba a bailar y desinhibirse a los jóvenes sin importar la raza a la que pertenecieran. ¡El Rock and Roll no tiene color! (¡y ya era considerada la música del demonio!). “Tutti Frutti”, “Good Golly Miss Molly”, “Long Tall Sally”, “Lucille”, son sus más notables éxitos, que lo llevaron a tocar su piano alrededor del mundo. Little Richard fue la primera superestrella de color, y cuando estaba en la cima, de un día para otro, lo dejó todo (incluido un carísimo anillo que arrojó simbólicamente al mar) para dedicarse a la predicación del Evangelio. Cuando se decidió volver a los escenarios, en los 60´s, los titulares de los diarios le pertenecían a la Invasión Británica. Conocida es la historia que cuenta que entre sus músicos tuvo a un joven guitarrista llamado Jimi Hendrix, a quien despidió al poco tiempo porque le quitaba protagonismo en el escenario. También es sabido que grabó “Long Tall Sally” a una velocidad vocal tan rápida “para que ningún hombre blanco la pudiera cantar”, obviamente refiriéndose a Pat Boone, el cantante blanco que se hacía rico cantando las composiciones de Little Richard en versiones para los jóvenes blancos (en los 50´s las radios eran sumamente racistas). Aun así, Richard no contaba con la innata capacidad que tendría un obrero de Liverpool para cantarla sin problemas y hacer un cover digno de la mejor banda de todos los tiempos…

De Elvis Presley, el Rey, no hay mucho que se pueda agregar. ¿Qué más se podría decir del más grande? Elvis no era compositor, y cooperó con muy pocas letras (entre ellas “Love me Tender”), tampoco era un gran guitarrista, pero a él le debemos el hecho de que el Rock and Roll haya pasado de ser música de negros a música sin distinciones. Con una voz inconfundible, un carisma que pocos han tenido y unos movimientos pélvicos censurables para la época, Elvis alcanzó la inmortalidad, convirtiéndose seguramente en el más grande icono de la historia norteamericana. En un Mesías (como lo llamó Paul McCartney) digno de peregrinaciones. A John Lennon jamás se le habría ocurrido formar a los Quarrymen, ni nada de lo que ocurrió después en la música popular habría sucedido si a ese joven campesino que cantaba en la Iglesia Bautista todos los domingos no se le habría ocurrido la brillante idea de regalarle a su querida madre un disco casero con un par de canciones...

Chuck Berry, un negro de clase media, es uno de los guitarristas más influyentes de todos los tiempos. Inventó la manera como se debe tocar la guitarra en el Rock and Roll. Todos hemos pasado obligatoriamente por Berry en nuestro afán por dominar las 6 cuerdas. George Harrison, Keith Richards y el mismísimo Jimi Hendrix son sucesores de Berry. Hasta su “paso del pato” es emulado sin cansancio por Angus Young de AC/DC. Chuck Berry tuvo una carrera corta, llena de excesos dignos de un Rock Star. Publicó alrededor de 20 canciones de su autoría, convertidas todas en verdaderos clásicos, tales como “Roll Over Beethoven”, “Rock And Roll Music” y “Maybelline”. “Johnny B. Goode” es una de las canciones mas covereadas de la historia (incluida la versión de Michael J. Fox en “Volver al Futuro”). Berry es, en mi opinión, la mayor influencia musical que tuvieron The Beatles y The Rolling Stones en sus primeros años. Su carrera terminó en la cárcel: evasión de impuestos y prostitución de una jovencita fueron las causas. A principios de los 80 fue invitado a un programa estelar en Chile. Seguramente, como es típico de estas latitudes, debe haber pasado inadvertido o como un artista más dentro de la parrilla programada…

Desde sus inicios el Rock and Roll fue sinónimo de rebeldía. Estos 3 jóvenes fueron los voceros de una generación post guerra, que necesitaba desahogarse. Hicieron de la música un negocio rentable. Inventaron un idioma, con reglas y todo. Larga vida al Rock and Roll!

La música es poder

2006-06-21T17:10:00.000-04:00

Lo saco de la caja, lo introduzco en el equipo y presiono play...es el comienzo de un placer que nos podemos dar a diario cuantas veces queramos.

Una encuesta realizada en Europa hace un par de años reveló que el escuchar música es la segunda actividad más placentera de hacer, casi a la par con el sexo y muy por sobre la tercera elección que era realizar deportes. Otro estudio indica que el trabajar escuchando música eleva en un 17% la producción.

Nadie puede negarlo, la música tiene un poder sobre nuestro actuar. Nos afecta en la postura y la forma de caminar. Todos lo hemos experimentado alguna vez. Caminamos de una forma diferente si llevamos puestos unos audífonos escuchando a nuestro grupo favorito, a veces imaginándonos que somos parte de un video clip, a lo Richard Ashcroft en "Bittersweet Symphony". A veces un par de acordes y nos transportamos al colegio o a un carrete inolvidable, o nos acordamos de un antiguo amor no correspondido.

¿Se han preguntado qué sería de nuestras vidas si no existiera la música?...es una pregunta dificil de responder, sin duda. Pues la música ha estado desde los albores de la humanidad y no fue una invención del hombre, como la escritura, sino más bién, es una creación de la naturaleza, y, si queremos ser creyentes, debemos decir que es una creación divina...los ángeles cantan alabanzas a Dios desde siempre....

Siempre estuvo en los rituales sagrados, sexuales y de cualquier índole, ya sea solo con las voces o con instrumentos precarios. Ha estado presente en las guerras y en las celebraciones de victorias. En nuestras propias vidas individuales ha tendido sus efectos, nos hemos peleado por diferencias en gustos y hemos comenzado grandes amistades por similitudes. La historia, ni la del mundo ni las nuestras, habría transcurrido como lo ha hecho, si no hubiera existido la música.

Que fome sería el cine sin bandas sonoras!, George Lucas dice que el 50% de Star Wars son las partituras del genial John Williams. Cómo envidiamos los partidos del fútbol argentino, con las galerías llenas de fanáticos alentando a su equipo. Que fome es hacer el aseo de la pieza sin la radio a todo chancho o trabajar en el pc sin el winamp con nuestras canciones favoritas.

A veces, como el rey Saúl, necesito escuchar un poco de música para que los demonios me dejen en paz un rato... yo creo que a muchos les haría bién hacer lo mismo.

La música es poder! es un poder inimaginable y lo podemos usar en nuestro favor. Por lo menos para alegrar un poco más el día a día, y si no piensan lo mismo, los desafío a un día sin música. Sería el día más aburrido de nuestras vidas...

Cuando tenga 64

2006-06-19T15:27:00.000-04:00

"Si a John no lo hubieran matado, no se habría convertido en mártir, y él y yo seríamos valorados por igual..."

Pareciera que siempre va a estar relegado a un segundo lugar, para muchos de forma injusta, porque dicen que no tenía nada que envidiarle a Lennon, es más, que era más talentoso que él...

Es un tema que apasiona a los fanáticos de los Fab Four, la eterna disputa entre Lennonianos y McCartnianos por quien de los dos era definitívamente el genio de la banda.

Bueno, ese no es tema que quiero tratar ahora, en realidad, me quiero referir a los 64 de Paul. Así es, Sir Paul McCartney acaba de cumplir 64 años. ¿Y qué tiene de especial eso?...la verdad, cualquiera que haya escuchado el Sgt Pepper´s lo sabría!.

"When I´m Sixty Four" cantaba Paul, cuando aun tenía 25 años, mientras experimentaba con los otros beatles en Abbey Road Studios por allá por el 67...

Muchas cosas han pasado desde entonces, porque si se pensaba que lo habían hecho todo, con The Beatles nunca se sabía...A Paul se le ocurrió hacer una película, el primer fracaso de los Beatles: "Magical Mistery Tour", luego (para muchos) inventó el Heavy Metal con la ruidosa "Helter Skelter". Si con "Yesterday" Paul se había ganado la admiración y el respeto de los múscios "serios", fue el primer cara dura que hizo un single de más de 3 minutos (inédito hasta ese entonces), una canción que dedicó al hijo de su mejor amigo y que puso por nombre "Hey Jude". Llevó a los Beatles arriba de una azotea en Londres para tocar un par de canciones y luego decidió agarrar su bajo y no ponerle más el agregado "Lennon" a sus composiciones.

Si hasta lo mataron...

La carrera de McCartney fue exitosa en su etapa post beatles, aunque personalmente no me gusta mucho. Quizás se aburguesó mucho, o es que simplemente había dejado de ser rebelde...después de todo, ya había cambiado el mundo.
Como sea, es el compositor con mayor cantidad de nº 1 en la historia de la música popular y seguramente debe ser el músico que más canciones tiene en nuestro inconciente colectivo.

Hace mucho ya que no lideras el Billboard ni sales en MTV, pero nadie puede decir que lo necesitas. Después de todo, ya lo hiciste todo..."Birthday" gritabas en el album blanco, Feliz Cumpleaños! te digo con respeto y admiración. Tú marcaste mi adolescencia....

Aquí, allá y en todas partes...

2006-06-19T15:06:00.000-04:00

Así es poh, me dieron ganas de tener mi propio blog, y aquí estoy, escribiendo, preguntándome de qué mierda voy a hablar en este lugar más adelante....pero como me ha sucedido con muchas otras cosas en la vida, un impulso nada más, me llevó a formar mi propio sitio en el que pienso hablar más que nada de música y bueno, a veces de otras cosas...

En realidad, más que nada quiero un lugar donde publicar críticas a discos, artistas, recitales, canciones, etc...etc....es decir, me las estoy dando de crítico de música...
Agradeceré mucho cualquier opinión y espero visiten frecuentemente este lugar...
Un saludo a todos!
Nos veremos aquí, allá y en todas partes!